Las mejores bandas sonoras de videojuegos de todos los tiempos

Los gráficos en los videojuegos han mejorado notablemente en las últimas décadas, con personajes y entornos que se acercan cada vez más a la realidad. Esto puede hacer que los gráficos de los juegos antiguos para consolas como Nintendo o PlayStation 1 se vean bastante mediocres. Sin embargo, las bandas sonoras originales de los videojuegos pueden sobrevivir mucho después de que sus juegos no se sigan reproduciendo.

Si bien las bandas sonoras de los juegos han evolucionado para usar con frecuencia orquestas y coros con los que dar una atmósfera más dramática, hay clásicos míticos de los años 80 y 90 que son igual de entretenidos y pegadizos, y esto a pesar de haber sido generados con bits limitados y audios sintetizados.

Super Mario Bros. (1985)

Cuando escuchas la frase “música de videojuegos” es muy probable que la melodía de apertura de Super Mario Bros. Original comience a sonar en tu cabeza. Caprichosa, animada y con un tempo perfecto para que sigas avanzando, la música se adapta perfectamente a los efectos de sonido que se producen cuando Mario salta en el aire, rompe bloques y se deforma. Cuando te diriges a zonas oscuras, el volumen baja y la música cambia a un ritmo minimalista que señala el peligro que se avecina.

Mega Man 2 (1988)

Los juegos de Mega Man son muy difíciles, pero no hace falta coger un mando para afirmar que Mega Man 2 será implacable solo por su banda sonora. La canción de cada etapa es un sprint vertiginoso que genera ansiedad. Te costará seguir el ritmo, ya que incluso las melodías más lentas del juego siguen siendo más rápidas que la mayoría de la música de los juegos para NES.

Super Castlevania IV (1991)

La Super Nintendo fue capaz de ofrecer un audio con una calidad muy superior a lo que escuchamos en la Nintendo Entertainment System original, o incluso en la Sega Genesis. El Super Castlevania IV podría ser sin duda, el mejor ejemplo de lo que podía darnos esta consola. Combinando el sonido de órganos estridentes del horror gótico con el ritmo chiptune que los fans de Castlevania esperaban, la banda sonora a menudo eclipsaba las imágenes del juego, que siguen siendo igual de hermosas aun 25 años después del lanzamiento del título.

Chrono Trigger (1995)

La obra maestra de Square Enix, Chrono Trigger, ha resistido con creces el paso del tiempo. Tanto es así que algunos lo consideran el mejor juego de rol jamás concebido debido a su compleja historia, sus mecánicas de batalla perfeccionadas, el diseño característico de Akira Toriyama y por supuesto, la hermosa banda sonora de ​​Yasunori Mitsuda. La pantalla de inicio comienza con una melodía suave y odiosa que nos hace de preludio para una música más grandilocuente. Pero esto no es todo, ya que, en el transcurso de la aventura de Chrono, escuchamos una amplia variedad de música. “The frog theme” por ejemplo, es tan estoico como el protagonista del juego, pero a la vez con un trasfondo trágico.

Star Fox 64 (1997)

La obra que nació de la unión entre el gran subestimado Hajime Wakai (Pikmin, Wind Waker, F-Zero X) y el legendario Koji Kondo, es la OST de Star Fox 64. Se trata de una banda sonora operística y espacial que es al mismo tiempo grandilocuente y dramática. Y es que esta pieza agrega drama a lo que podría haber sido un simple juego de arcade protagonizado por animales que hablan. Teniendo en cuenta que cada jugada dura solo una hora, la música pegadiza hace que volver a jugar el juego sea todo un placer.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time (1998)

The Legend of Zelda: Ocarina of Time ha sido considerado en numerosas ocasiones como uno de los mejores videojuegos jamás creados. Aunque esa condecoración proviene en gran medida de su fantástico diseño y de su historia de viajes en el tiempo, sería todo un crimen descartar la contribución del compositor Koji Kondo al éxito del título. Desde el momento en que Link se despierta de niño y comienza a caminar por el bosque de Kokiri, la música suave y relajante se encarga de crear el ambiente.

Al ritmo de una ocarina, el juego devuelve la vida a algunos de los temas más icónicos de la serie: los temas de Zelda, Epona y Saria no solo resisten al paso del tiempo, sino que también juegan roles importantes en el juego a medida que avanzas por las mazmorras o navegas por Lost Woods. El tema de Ganondorf también retrata a la perfección el peligro amenazante del villano que reaparece en varias secuelas.

Tony Hawk’s Pro Skater (1999)

El punk rock y el skate crecieron juntos y gracias a este juego estilos musicales como el punk o el ska ganaron una nueva audiencia y popularidad. Con melodías de bandas aclamadas como Suicide Machines, Dead Kennedys o The Vandals, el juego contaba con la banda sonora perfecta para escuchar durante horas mientras intentabas dominar tu “McTwist” o replicar el 900 que viste al Sr. Hawk por televisión. Concretamente, una canción ha llegado a representar la huella cultural de la franquicia THPS más que cualquier otra: la pista de la banda de ska Goldfinger, Superman. Este tema es tan optimista y pegadizo que es prácticamente imposible enfadarse cuando lo estás escuchando. Los otros juegos de la franquicia cuentan con bandas sonoras fuertes, pero sin Superman parece que a todos les faltase algo.

Halo 2 (2004)

Halo original nos presentó el tema característico de la franquicia, pero el tercer juego terminó con un número de piano emotivo que nos dio lo que creemos es el cierre definitivo para la historia de Master Chief. Sin embargo, ninguno de los dos se puede comparar con la guitarra eléctrica de Halo 2. Al principio del juego volvemos a encontrarnos con los mortales Hunters del Covenant, que suelen infundir miedo en nuestros corazones en el momento en que irrumpen en escena. Pero con el solo de guitarra de Steve Vai resonando en nuestros oídos, conseguimos la valentía necesaria para cargar contra ellos con nuestras armas. Cuando cambiamos de perspectiva y tomamos el control del Inquisidor, la música adquiere un tono de terror salpicado de momentos trágicos y oscuros que nos recuerdan la misión imposible que debemos completar.

Uncharted: Drake’s Fortune (2007)

La serie Uncharted se puede describir como descendiente directa de los juegos originales de Tomb Raider. La música del juego, sin embargo, es uno de los pocos elementos que ayudan a Nathan Drake a desligarse de la sombra de Lara Croft. El tema principal de su banda sonora solo puede describirse como “épico”. Escucharlo nos transporta a una de las hermosas escenas

Minecraft: Volume Alpha y Beta (2011-2013)

Quizás es demasiado aventurado decir que Minecraft probablemente no habría vendido 200 millones de copias, convirtiéndose en el segundo juego más vendido de todos los tiempos, a menos que el compositor alemán C418 no le hubiera dado una banda sonora relajante y alienígena a sus jugadores para llenar el vacío mientras exploraban su territorio.

La mayoría de los fans de la banda sonora de Minecraft disfrutan con los clásicos simples del primer álbum como Moog City, Suecia y Subwoofer Lullaby. Sin embargo, no nos olvidemos de Volume Beta, ya que va más allá con pistas como Taswell y Kyoto capaces de evocar su propio y extraño mundo.

Journey (2012)

El compositor Austin Wintory pasó tres años creando la banda sonora de Journey. Por supuesto, esta dedicación dio sus frutos y se convirtió en una increíble banda sonora —que fue la primera y única de la historia nominada a un premio Grammy —. Wintory convirtió a la violonchelista Tina Guo en el centro de la banda sonora y dijo en una entrevista que el juego es “como un gran concierto para violonchelo en el que tú eres el solista y el resto de los instrumentos representan el mundo que te rodea”.

Rayman Legends (2013)

Aparte de con juegos musicales como Thumper y Guitar Hero Live, es extraño ver a un desarrollador que incorpore su música como una herramienta más de la mecánica de su juego, pero eso es exactamente lo que hizo Ubisoft Montpellier en Rayman Legends. Después de varias etapas de plataformas —cada una con sus propias canciones alegres—cada mundo termina con una secuencia de plataformas ultrarrápida ambientada en una canción popular de rock o pop.

Clásicos como Black Betty y Eye of the Tiger se entremezclan con el extraño humor de Rayman mientras el héroe sin extremidades corre hacia la línea de meta y sus saltos están en perfecto ritmo con las canciones.

BioShock Infinite (2013)

Si Rayman Legends logró vincular su banda sonora a su jugabilidad de una manera que ningún otro juego lo había hecho antes, BioShock Infinite logró una fusión similar entre su música y su historia. Desde el momento en que Booker DeWitt pone un pie en la ciudad flotante de Columbia, es recibido con música que aún no existe. God Only Knows, de los Beach Boys, es interpretada por un cuarteto de barbería, a pesar de que la canción no se escribiría hasta 50 años más tarde. A medida que el continuo espacio-tiempo se desintegra alrededor de Booker, escucha melodías de bandas como Creedence Clearwater Revival e incluso de Tears for Fears.

Quizás el momento más memorable de todo el juego pueda pasar inadvertido si los jugadores no se inmiscuyen lo suficiente. Y es que en una escena en la que accede a un sótano, Booker puede tomar una guitarra y tocar Will the Circle Be Unbroken? a dúo con su compañera Elizabeth.

Child of light (2014)

El cantautor canadiense Cœur de pirate creó una banda sonora conmovedora que casa a la perfección con el estado de ánimo del juego, protagonizada por un melancólico violín y reflexivos solos de piano. En su mayoría ambientado en un mundo de fantasía y protagonizado por una joven desesperada por regresar a casa para salvar a su padre moribundo y frustrar a su malvada madrastra, esta especie de Cenicienta con violencia y sin ningún príncipe azul, brilla en parte gracias a su hermosa música. Incluso cuando Aurora gana poderes y amigos, la combinación de tristeza y fantasía nos recuerda que este viaje no es tan agradable para ella como para nosotros.

Transistor (2014)

La mayoría de los jugadores elegirían la excelente banda sonora de Bastion de Darren Korb para esta lista, pero en nuestra opinión Transistor representa el mejor trabajo de Korb con diferencia. Juegas como Red, una cantante cuya voz ha sido sellada dentro de una espada misteriosa y que debe luchar para derrotar a la inteligencia robótica que está absorbiendo a los habitantes de la ciudad. Incapaz de hablar, Red puede tararear la música de cada nivel y también escucharás varias de sus actuaciones anteriores durante el transcurso del juego.

Korb describió el género de la banda sonora como “post-rock electrónico del viejo mundo”, que coincide con la jugabilidad de acción y el mundo desolado y futurista que representa. Añade además la increíble voz de la cantante Ashley Lynn Barrett, utilizada en canciones como We All Become y The Spine, y obtendrás una banda sonora que vale la pena escuchar una y otra vez.

Ori and the blind forest (2015)

La belleza gráfica de la franquicia Ori solo se compara con su hermosa banda sonora, que fue interpretada por una orquesta y un coro completos y que presenta múltiples actuaciones en solitario de Aeralie Brighton, Rachel Mellis y Tom Boyd. Las armonías de los vocalistas suenan como si el escenario del bosque del juego estuviera dando una serenata a Ori a medida que avanza en su búsqueda, con actuaciones en solitario que a menudo surgen durante las escenas en las que Ori ha dado un paso más en acabar con la enfermedad que infecta su hogar.

Dejando a un lado su excelente valor de producción, la banda sonora de Ori and the Blind Forest tiene éxito gracias a la cuidada composición de Gareth Coker, que crea una nueva melodía que suena mágica en cada nueva área que te encuentres.

Nier: Automata (2017)

Nier: Automata va acompañado de una banda sonora melancólica y ocasionalmente alegre que casi todo el tiempo suena de fondo a medida que te mueves por su mundo abierto.

Emi Evans, la vocalista de muchas de las pistas, investigó la lingüística para utilizar el lenguaje inventado en el juego (Chao) y armonizó las melodías compuestas por Keiichi Okabe con ese lenguaje falso. Además de tener una hermosa voz, Evans añadió autenticidad e inmersión al extravagante mundo del juego al crear y cantar palabras que sonaban como si existieran en un lenguaje real. Los momentos finales del juego son donde la fantástica banda sonora alcanza de verdad su punto álgido.

Persona 5 (2017)

Las bandas sonoras de Jazz de Persona son las favoritas de los audiófilos de los videojuegos, y precisamente la de Persona 5 está llena de música enérgica que te anima a “despertar, levantarte, salir” . El compositor Shoji Meguro usa con frecuencia el piano eléctrico y la guitarra en la música del juego, dándole un toque sintetizado que hace que la rutina diaria de tu personaje se sienta tan emocionante como el Metaverso por el que discurre.

Los aspectos más destacados de la banda sonora provienen de la cantante Lyn Inaizumi, quien interpreta una docena de canciones con ritmos pop y R&B que se te quedarán grabadas en la cabeza y te harán tararearlas incluso cuando hayas terminado el juego.

Celeste (2018)

Celeste es un juego desafiante, no solo en términos de jugabilidad, sino también en su temática. La banda sonora se adapta perfectamente al tono establecido por el juego, ejerciendo una doble función como música de fondo y diseño. Ejecutando tus eventos a la perfección, la banda sonora de Celeste casi se siente como un personaje en el juego, que te acompaña a lo largo de tu solitario viaje por la montaña Celeste.

Además, la banda sonora de Celeste adapta perfectamente el estado de ánimo del juego a su voluntad, pues en los primeros pasos te ofrece un tono esperanzador con canciones como Reflection y más adelante te ofrece un tono más profundo y metódico, como tu viaje físico y psicológico que avanza hacia un lugar más oscuro.

Super Smash Bros.Ultimate (2018)

Super Smash Bros.Ultimate ayudó a Nintendo a transformar su Nintendo Switch en el reproductor MP3 más grande y menos práctico de todos los tiempos. Los jugadores pueden acceder a más de 30 horas de pistas originales y remezclas de una gran variedad de franquicias de videojuegos desde el menú “Sonidos” del juego y en sus más de 100 etapas. El juego te permite escuchar a tus franquicias favoritas y crear listas de reproducción personalizadas. También puedes seleccionar la reproducción aleatoria y revivir parte de la mejor música de videojuegos de la historia, incluidas las composiciones de varias de nuestras otras mejores selecciones de todos los tiempos.

La serie Smash Bros. impresionó a todos con la combinación de nuevas orquestaciones y remezclas de viejos clásicos. Similar a lo que hizo con Star Fox 64, Nintendo usó herramientas musicales avanzadas y bibliotecas de sonido para recrear bandas sonoras MIDI obsoletas, dando a la música de Mario, Metroid, Fire Emblem, Zelda, Kirby y muchas otras franquicias un soplo de aire fresco.

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