Las películas épicas han brindado al público espectáculos cinematográficos desde que comenzó esta forma de arte. Estos largometrajes incluyen algunas de las películas más ambiciosas jamás realizadas. Cuentan historias maravillosas con fondos extravagantes y llenos de vida gracias a la meticulosa atención al vestuario, las impecables elecciones de reparto y las inspiradoras partituras musicales.
Desde clásicos del género como Lawrence de Arabia hasta éxitos de taquilla recientes como Oppenheimer, las mejores películas épicas de todos los tiempos tejen historias de una escala sin igual, haciendo historia en el camino. Estas epopeyas esenciales abarcan una variedad de subgéneros y períodos de tiempo, lo que garantiza que haya algo para cada tipo de espectador.
10. Los Diez Mandamientos (1956)
Los Diez Mandamientos del director Cecil B. DeMille sigue siendo una de las películas más populares de todos los tiempos en función de las ganancias de taquilla, con el drama religioso épico de 1956 que representa la historia de la figura bíblica de Moisés (Charlton Heston). La película se basó en la novela de Dorothy Clarke Wilson de 1949 El príncipe de Egipto y sigue el viaje de Moisés hacia la liberación de los hebreos esclavizados antes de llevarlos a la tierra prometida y recibir los Diez Mandamientos en el camino.
Sin lugar a dudas, la obra maestra de DeMille, Los Diez Mandamientos se benefició de haber sido filmada en Egipto, el Monte Sinaí y la Península del Sinaí, donde se construyó uno de los sets exteriores más grandes que jamás haya existido. Los impresionantes decorados se complementaron con innovadores efectos especiales, incluida la separación del Mar Rojo. Incluso el público que no es fanático de los dramas basados en la fe probablemente apreciará los fantásticos esfuerzos que se realizaron para crear esta epopeya.
9. Espartaco (1960)
Kirk Douglas interpreta al personaje principal en el drama histórico épico del director Stanley Kubrick, Espartaco. Gira en torno a las experiencias del protagonista como esclavo que es vendido a un gladiador. Después de aprender a luchar y matar en la arena, Espartaco tracio finalmente se rebela contra su dueño, inspirando a otros esclavos de otras ciudades a hacer lo mismo y, finalmente, liderando un levantamiento contra Roma.
A pesar de ser un proyecto en el que no tenía el control artístico total, Espartaco terminó siendo una de las películas más significativas de la carrera de Kubrick, no solo por su escala monumental, sino por su papel histórico en ayudar a poner fin a la lista negra de los Diez de Hollywood. Hoy en día, el emocionante espectáculo perdura como una increíble saga de libertad y coraje, con el grito de guerra del personaje, «Yo soy Espartaco», consolidando su lugar en la cultura pop.
8. Sin novedad en el frente (1930)
Aunque su remake más popular de Netflix puede ser familiar para los espectadores ahora, la versión de 1930 de Sin novedad en el frente es posiblemente aún mejor, al menos en lo que respecta a la fidelidad al material original. Dirigida por Lewis Milestone, la película antibélica anterior al Código está basada en la novela de 1929 de Erich Maria Remarque. Sigue a un grupo de escolares alemanes que se convierten en soldados durante la Primera Guerra Mundial y, liderados por el serio Paul Bäumer (Lew Ayres), se enfrentan a las brutales realidades de la guerra.
La clásica película bélica desafía las nociones de heroísmo y glorificación asociadas con el combate, lo cual es mucho más atrevido y notable teniendo en cuenta cuándo se estrenó. El idealismo estimulado por la propaganda está representado por las masas que vitorean y las marchas patrióticas a la batalla, y se contrasta con la implacable guerra de trincheras y las inquebrantables secuencias de combate.
7. Lo que el viento se llevó (1939)
Lo que el viento se llevó, del director Victor Fleming, es un romance histórico épico que no podría volver a hacerse hoy en día debido a su problemática representación de la esclavitud. La película de 1939 se centra en la historia de una belleza sureña, Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), que vive una vida envidiable en una plantación de Georgia y pronto se enreda sentimentalmente con la ya casada Ashley Wilkes (Leslie Howard). Finalmente se casa con el encantador Rhett Butler (Clark Gable).
Como una de las películas más largas de Hollywood jamás realizadas, Lo que el viento se llevó narra las diferentes etapas de la vida de Scarlett, mostrando cómo inevitablemente se transforma no solo por sus intereses románticos, sino también por las épocas de la Guerra Civil y la Reconstrucción. La película está llena de imágenes exuberantes que muestran elegantes mansiones donde se celebran fiestas elegantes para personas que visten atuendos glamorosos. En el fondo, sin embargo, están los sirvientes negros unidimensionales.
6. Ben-Hur (1959)
Ben-Hur es un verdadero destacado en el género que todavía se cuenta entre los mejores espectáculos cinematográficos jamás realizados. Dirigida por William Wyler y basada en la novela de Lew Wallace de 1880 Ben-Hur: A Tale of the Christ, la epopeya religiosa de 1959 sigue la vida de Judah Ben-Hur (Charlton Heston). El protagonista, que en su día fue un príncipe judío, se ve obligado a la esclavitud tras una grave traición que termina con la persecución de su familia. Pronto sube de rango para buscar venganza.
La conocida historia de venganza se desarrolla en un amplio telón de fondo que es el Imperio Romano. Ben-Hur hizo un buen uso de su presupuesto de 15 millones de dólares para crear las escenas más grandes que el cine había visto hasta ese momento. Cientos de trabajadores crearon incansablemente miles de trajes, estatuas y frisos para la película. También había 200 camellos, 2.500 caballos y 10.000 extras presentes para el rodaje, que duró de 12 a 14 horas diarias y tardaría casi ocho meses en completarse. Además de todo eso, está la icónica escena del carro de nueve minutos, que fue un triunfo cinematográfico en sí mismo y ayudó a que la película se convirtiera en una parte indeleble de la historia.
5. Oppenheimer (2023)
Oppenheimer ya está demostrando estar entre los mejores trabajos del director Christopher Nolan, con el épico thriller biográfico de 2023 obteniendo 13 nominaciones al Oscar este año. La película se centra en el físico teórico J. Robert Oppenheimer (interpretado magistralmente por Cillian Murphy) y su viaje para convertirse en el «padre de la bomba atómica». Narrando su sinuoso camino en el mundo académico, su papel en el Proyecto Manhattan y su caída frente al Senado, es la película más larga de Nolan hasta la fecha, con una duración de tres horas.
Cada momento de sus 180 minutos de duración está bien empleado, ya que Oppenheimer es un festín visualmente impresionante que entrelaza sus historias separadas con facilidad. El uso de las cámaras IMAX y Panavision por parte de Nolan da como resultado una obra de arte inmersiva que también cuenta con un elenco fenomenal que vivió en Nuevo México durante el rodaje. También hay efectos prácticos notables, en particular el uso de explosivos reales para demostrar la prueba nuclear de Trinity.
4. Ran (1985)
El legendario director japonés Akira Kurosawa había adaptado las obras de Shakespeare en el pasado, pero es Ran de 1985 la que se recuerda como una epopeya en expansión que retrató el material original como nunca antes. Basada en El rey Lear del bardo, Ran, una de las mejores películas japonesas de la historia, transporta la historia al Japón feudal, donde el anciano señor de la guerra Hidetora Ichimonji (Tatsuya Nakadai) decide dividir su reino entre sus tres hijos. El hijo mayor, Taro (Akira Terao), es elegido para gobernar, mientras que Jiro (Jinpachi Nezu) y Saburo (Daisuke Ryu) tienen la tarea de comandar sus propios castillos. Saburo se rebela contra las decisiones de su padre y provoca el caos en el reino.
La historia de Ran sobre las consecuencias de la ambición desenfrenada se cuenta a través de hermosos paisajes llenos de guerras violentas. La película se beneficia de la magistral dirección de Kurosawa, que hace que cada asedio bien coreografiado y cada batalla masiva se sientan como una sinfonía bien hecha. La película también es sorprendente gracias a su uso de colores vibrantes, con tonos contrastantes que hacen que cada momento sea aún más intenso e inolvidable.
3. Titanic (1997)
Titanic es una película romántica épica que no necesita presentación. No solo una de las mejores películas de la década de 1990, sino que a menudo se cita junto a las mejores de todos los tiempos, el éxito de taquilla de James Cameron cautivó al público y a los críticos de todo el mundo con su historia inspirada en el hundimiento del RMS Titanic de la vida real. Cuenta la historia de amor ficticia de Jack Dawson (Leonardo DiCaprio) y Rose DeWitt Bukater (Kate Winslet), dos pasajeros de diferentes clases sociales que forman una profunda conexión.
Desde la grandeza de los interiores del barco hasta la recreación de vanguardia del hundimiento del barco, quedó claro de inmediato cuando se estrenó por primera vez que Cameron hizo un excelente uso del enorme presupuesto de producción de 200 millones de dólares para la película. La química fuera de serie de DiCaprio y Winslet en pantalla también contribuyó al éxito de la película, ya que en última instancia es recordada por ser una historia de amor emotiva y trágica para todas las edades.
2. El Padrino: Parte II (1974)
La película del director Francis Ford Coppola sobre El Padrino es una de las mejores y más influyentes obras del cine, pero muchos creen que alcanzó su punto máximo con El Padrino: Parte II. Todavía basada en la novela homónima de 1969 de Mario Puzo, la Parte II sirve como secuela y precuela de la película de 1972, siguiendo dos historias. El primer arco se centra en el nuevo e inexperto Don de la familia, Michael Corleone (Al Pacino), y el segundo muestra el ascenso de su padre, Vito Corleone (Robert De Niro), desde sus raíces en Sicilia hasta su éxito en la ciudad de Nueva York.
Con una duración aún más larga que la primera película, El Padrino: Parte II se basa en la ya expansiva historia de gángsters para crear una película de mafia verdaderamente épica. El imperio de la familia Corleone se siente a la vez grandioso y vulnerable bajo el liderazgo de Michael, y la historia de fondo de Vito solo agrega más profundidad y matices a la intrincada narrativa. La estructura de estos dos arcos intergeneracionales hace que la película se sienta como un drama extravagante que sin duda supera a su predecesora.
1. Lawrence de Arabia (1962)
La película que sin duda se ha convertido en sinónimo del género épico, Lawrence de Arabia del director David Lean es un reconocido drama biográfico centrado en el teniente británico T.E. Lawrence (Peter O’Toole). Representa el arco transformador del personaje, que pasó de servir inicialmente como enlace a involucrarse en la rebelión contra el Imperio Otomano durante la Primera Guerra Mundial. Se centra específicamente en los ataques contra Aqaba y Damasco, que se muestran en una escala asombrosa.
Lawrence de Arabia se basa en gran medida en efectos prácticos y un nivel inimaginable de meticulosidad y habilidad para coreografiar sus enormes escenas ambientadas en el desierto de Arabia. Momentos críticos como la emboscada guerrillera y el ataque a Aqaba ayudaron a que la película se convirtiera en la obra maestra que define el género que es. Por supuesto, también es un estudio íntimo del personaje que explora el conflicto interno de su protagonista mientras lucha por reconciliar las órdenes de sus superiores con la realidad frente a él.
