Los clásicos son clásicos por una razón, con muchas de las películas más importantes e influyentes jamás realizadas surgidas de la Edad de Oro de Hollywood. Abarcando desde la década de 1920 hasta principios de la década de 1960, estas obras fundacionales darían forma y definirían cómo se vería el Hollywood moderno y la cinematografía en general. Para cualquier persona interesada en estas obras maestras críticas, hay algunas que deben considerarse de visita esencial.
Desde la fantástica El mago de Oz hasta la romántica Casablanca, las mejores películas del viejo Hollywood para principiantes son obras cruciales, pero accesibles, que siguen siendo ampliamente celebradas y referenciadas hoy en día. Estas películas en particular son clásicos atemporales que capturan el espíritu de la época dorada de Hollywood, transportando fácilmente al público a una época diferente.
Lo que el viento se llevó (1939)
Ambientada en el contexto de la Guerra Civil estadounidense y la era de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó es una historia épica que sigue principalmente a Scarlett O’Hara (Vivien Leigh), la hija de carácter fuerte de un rico propietario de una plantación en Georgia. Representa su búsqueda fallida de un romance con Ashley Wilkes (Leslie Howard), quien ya está casada con su primo, y luego su relación con Rhett Butler (Clark Gable). El matrimonio de Scarlett y Rhett resulta ser tumultuoso, ya que ella continúa añorando a Ashley a pesar de tener su propia familia.
La adaptación del director Victor Fleming de la novela de Margaret Mitchell de 1936 ciertamente intenta hacer justicia a su historia con la duración de casi cuatro horas de la película, lo que la convierte en una de las películas de Hollywood más largas jamás realizadas. Por supuesto, vale la pena señalar que su controvertido retrato del sur anterior a la guerra y la esclavitud ha envejecido mal, aunque no se puede negar que la película aún ofrece una visión fascinante de las técnicas cinematográficas y las actitudes culturales de la década de 1930. Además, la infame «Francamente, querida, me importa un bledo» de Gable es una línea que se ha convertido en una parte permanente de la historia cinematográfica.
West Side Story (1961)
Antes de la versión de 2021 de Steven Spielberg, estaba la famosa película de 1961 de los directores Robert Wise y Jerome Robbins, que todavía tiene el récord de más premios Oscar para un musical. La versión moderna de Romeo y Julieta de William Shakespeare transporta la historia a las calles arenosas de la ciudad de Nueva York de la década de 1950, donde hay una intensa rivalidad entre dos pandillas callejeras adolescentes: los Jets, un grupo de jóvenes blancos liderados por Riff (Russ Tamblyn), y los Sharks, una pandilla puertorriqueña liderada por Bernardo (George Chakiris). En medio del caos, florece un romance prohibido entre Tony (Richard Beymer), un ex Jet, y María (Natalie Wood), la hermana de Bernardo.
West Side Story ganó 10 Premios de la Academia, incluido el de Mejor Película, e inmediatamente estableció un nuevo estándar para los musicales. Modernizó el cuento de Shakespeare con letras inteligentes y números deslumbrantes, y cada pieza contaba con un gran valor de producción. Además de todo eso, la película de 1961 ofrecería una mirada perspicaz a temas actuales como el racismo y la muerte del sueño americano, puntuados por los trágicos destinos de los personajes principales.
Es una vida maravillosa (1946)
It’s a Wonderful Life es un clásico navideño atemporal que algunas familias probablemente todavía ven en Nochebuena. Dirigida por Frank Capra, la película de 1946 cuenta la conmovedora historia de George Bailey (James Stewart), un hombre de buen corazón que en la víspera de Navidad se enfrenta a una crisis financiera que podría llevar a su arresto. Mientras contempla el suicidio, el ángel Clarence Odbody (Henry Travers) interviene mostrándole a George lo diferente que sería el mundo si él nunca hubiera nacido.
Un clásico lacrimógeno y edificante, It’s a Wonderful Life destaca el valor de las pequeñas cosas que la gente hace a través de la conmovedora historia de George. A medida que el protagonista se da cuenta del profundo impacto que ha tenido en la vida de quienes lo rodean, descubre cuán importante es realmente su propia existencia. Es una realización conmovedora que solo crece a medida que la gente del pueblo se une para apoyar al personaje, ofreciendo una conclusión saludable e inspiradora a una historia que seguramente será apreciada por las generaciones venideras.
Sunset Boulevard (1950)
Hollywood a menudo puede estar en su mejor momento cuando se critica a sí mismo, y no hay mejor ejemplo clásico de esto que Sunset Boulevard del director Billy Wilder. A la vez una comedia negra y cine negro, la película de 1950 retrata la salvaje historia del inesperado encuentro del guionista Joe Gillis (William Holden) con la olvidada estrella del cine mudo Norma Desmond (Gloria Swanson). Norma está convencida de que puede regresar, por lo que Joe acepta editar su enrevesado guión, con la esperanza de manipularla en el proceso. Termina obteniendo más de lo que esperaba.
Sunset Boulevard es una excelente representación de Hollywood en su peor momento, con la película sardónica y satírica subrayando las trampas de la fama y la obsesión. El mundo delirante de Norma se hace creíble gracias a una fascinante actuación de Swanson, cuyo personaje desquiciado captura el espíritu de la industria implacable y en constante cambio. ¿Cuánto están dispuestas a dar las celebridades para aferrarse a su estrellato? Al menos para Norma Desmond, cualquier cosa vale la pena para su próximo «primer plano».
Cantando bajo la lluvia (1952)
Uno de los mayores cambios en Hollywood fue la transición del cine mudo al cine sonoro o sonoro, y algunos de los desafíos que presentó el cambio se capturan de manera experta en Cantando bajo la lluvia de 1952. Dirigido por Gene Kelly y Stanley Donen, el musical se centra en Don Lockwood (Kelly), una apuesto estrella del cine mudo, cuya carrera se ve amenazada por el advenimiento del sonido. Junto a su mejor amigo, Cosmo Brown (Donald O’Connor), y su interés amoroso, Kathy Selden (Debbie Reynolds), hace todo lo posible para adaptarse a la nueva tecnología. Una subtrama importante involucra a Lina Lamont (Jean Hagen), la coprotagonista de Don con una voz estridente inadecuada para películas sonoras, lo que complica su último proyecto cinematográfico. ¿La solución? Kathy dobla las líneas de Lina, lo que no es demasiado fácil.
Todavía considerado uno de los mejores musicales jamás realizados, Cantando bajo la lluvia es una excelente introducción al viejo Hollywood, con su mirada aguda pero cómica a un momento crucial en la historia del cine. Además, acaba de envejecer como un buen vino, gracias a sus icónicos números musicales que hoy en día siguen siendo una maravilla para ver por primera vez. Esto ciertamente incluye el baile espontáneo de Kelly bajo la lluvia torrencial, que fue filmado y coreografiado a la perfección, y finalmente se convirtió en sinónimo de la película en sí.
Ciudadano Kane (1941)
«Capullo de rosa». Esa palabra tendría un efecto indeleble en la historia del cine, con Charles Foster Kane (Orson Welles) ahora recordado como uno de los personajes más importantes del cine. La película cuasi biográfica, también dirigida por Welles, narra la vida del protagonista titular como un rico e influyente magnate de los periódicos, con la historia contada como una serie de flashbacks desencadenados por esa misteriosa palabra final. El reportero Jerry Thompson (William Alland) se propone comprender el significado de «Rosebud», entrevistando a quienes conocieron íntimamente a Kane, incluyendo a su mejor amigo y esposa.
Las técnicas narrativas y visuales de Ciudadano Kane pueden ser comunes ahora, pero fue el pionero que ayudó a hacer posible lo que ahora son tropos en el cine. Desde su uso de la narración no lineal y los innovadores dispositivos expositivos hasta su cinematografía de enfoque profundo y su iluminación distintiva, la película de 1941 influiría en innumerables cineastas y remodelaría el futuro del cine. Eso sin mencionar su innovadora historia impulsada por personajes que abrazaría el existencialismo y serviría como una crítica mordaz del sensacionalismo de los medios.
Lawrence de Arabia (1962)
El director David Lean produjo una de las mejores epopeyas de todos los tiempos con Lawrence de Arabia de 1962, que narra la vida de la figura histórica de la vida real T.E. Lawrence (Peter O’Toole). El oficial del ejército británico se convirtió en una leyenda después de sus acciones durante la Primera Guerra Mundial, donde inicialmente se le asignó evaluar las perspectivas de la revuelta del príncipe Faisal (Alec Guinness) contra los turcos. Abrazando la cultura árabe y demostrando un liderazgo excepcional, Lawrence une a las diversas tribus árabes y las lidera en la guerra de guerrillas contra el Imperio Otomano.
Lawrence de Arabia captura vívidamente la transformación del protagonista de un soldado más a un líder más grande que la vida, con O’Toole impecablemente elegido como el complicado personaje. Su historia se desarrolla en medio de impresionantes escenas previas al CGI, con miles de extras y una meticulosa artesanía para garantizar que cada fotograma esté a la altura de la gravedad de la poderosa historia de la película. Su brillantez técnica garantiza que la película seguirá disfrutando de su legado como una epopeya atemporal con una escala monumental que es casi imposible de replicar.
Psicosis (1960)
Psicosis es un hito tanto en el género de terror como en el cine en general. El trabajo más famoso e importante del director Alfred Hitchcock comienza con una secretaria que huye, Marion Crane (Janet Leigh), quien malversó dinero de su empleador con la esperanza de comenzar una nueva vida con su novio. Mientras huye, se detiene en el Motel Bates, administrado por el extraño Norman Bates (Anthony Perkins), que vive con su dominante madre en la casa con vista al motel. Pronto queda claro que descansar allí fue un error.
Hubo horror antes de Psicosis, y luego hubo horror después, con la película de 1960 empujando el límite en cuanto a qué tipo de sexualidad, desviación y violencia podría retratarse en la pantalla grande. También tendría un efecto dominó en el género, como se ve en las narrativas y técnicas posteriores que se inspirarían directamente en la película. La dirección de Hitchcock elevaría a Psicosis a un estatus legendario, con el cineasta infundiendo cada segundo con un suspenso palpable y una atmósfera espeluznante que hace que sus momentos más impactantes sean aún más efectivos. Muchos de estos se convertirían en pilares de la cultura popular, incluida la infame escena de la ducha.
El mago de Oz (1939)
El Mago de Oz, del director Victor Fleming, es un clásico muy querido que redefinió el cine de fantasía. Sigue a Dorothy Gale (Judy Garland), una joven de Kansas que es arrastrada por un tornado a la tierra mágica de Oz. Allí, intenta encontrar al Mago de Oz (Frank Morgan) para que la ayude a regresar a casa mientras hace nuevos amigos en el camino en el Espantapájaros (Ray Bolger), que quiere un cerebro; el Hombre de Hojalata (Jack Haley), que desea un corazón; y el León Cobarde (Bert Lahr), que busca coraje. Juntos, caminan por el Camino de Ladrillos Amarillos, y pronto se encuentran con la Bruja Mala del Oeste (Margaret Hamilton).
Puede que El Mago de Oz no haya sido la primera película en utilizar Technicolor, pero sin duda fue la que la llevó a un público más amplio y marcó una nueva era en el cine. Dentro del mundo visualmente impactante de la galardonada película de fantasía hay una historia igualmente impresionante de coraje y amistad, con la actuación de Judy Garland, particularmente su interpretación de Over the Rainbow, convirtiéndose rápidamente en una piedra angular de esa era de Hollywood. Puede que se haya estrenado en 1939, pero el público moderno puede sorprenderse al sentirse conmovido y encantado por la magia duradera de Oz.
Casablanca (1942)
«Aquí te estoy mirando, chico». Más de 80 años después de su primera exhibición, Casablanca sigue siendo una de las películas más citables, bien escritas y románticas de la historia. Ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, la película sigue a Rick Blaine (Humphrey Bogart), un expatriado estadounidense que posee un club nocturno en la ciudad marroquí titular. Su mundo se pone patas arriba cuando su antigua amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), entra en su club con su marido, Victor Laszlo (Paul Henreid), un renombrado líder de la resistencia. Ilsa y Víctor están buscando un pasaje seguro a Estados Unidos para continuar su lucha contra los nazis, y Rick tiene la clave para escapar.
Casablanca es el ejemplo perfecto de una de esas películas en las que todo se une en el momento exacto para crear una obra maestra. El guión es impecable, la química entre Bogart y Bergman es increíble y el momento es perfecto. El dilema moral de Rick sobre sus decisiones durante la guerra y el drama del triángulo amoroso que no pudo evitar fueron apasionantes entonces y continúan haciendo que el clásico sea una visita obligada hoy en día. Esto es especialmente cierto para los espectadores que recién se están adentrando en los grandes éxitos de la Edad de Oro de Hollywood, ya que Casablanca debería estar en la parte superior de esa lista de observación.
