Dado que 2023 fue un gran año cinematográfico, no es de extrañar que 2024 se sintiera un poco decepcionante. No hay clásicos absolutos como Oppenheimer o Anatomía de una caída y no hay películas que capturen el espíritu de la época como Barbie. Pero tampoco fue un mal año cinematográfico, y si 2024 ha de ser recordado, debería ser por la gran variedad y el puro valor de entretenimiento de las muy, muy buenas películas que produjo.
Basta con mirar lo que no está en la lista: la emocionante e idiosincrásica historia de amor de Rose Glass, Love Lies Bleeding; la sorprendentemente ingeniosa precuela de terror The First Omen; la seductora película animada Orion and the Dark, escrita por Charlie Kaufman; y muchos más. ¡Y eso fue solo en los primeros cuatro meses del año! Sin duda, 2024 tuvo sus placeres, y estas 10 películas crearon momentos en el tiempo que no olvidaré pronto.
10. Vi brillar la tele
La nostalgia mata, o al menos mutila, a aquellos que se aferran demasiado al pasado. La inquietante oda de Jane Schoenbrun a una cultura juvenil analógica de la década de 1990 lanzó su hechizo por primera vez en Sundance en febrero, y su cálida acogida por parte de la crítica y el público desde entonces le promete una larga vida como película de culto. Al contar la historia de Owen (Justice Smith), un adolescente torpe que encuentra consuelo temporal al hacerse amigo de Maddy (Brigette Lundy-Paine) un poco mayor y unirse a su obsesión con el programa sobrenatural al estilo de Buffy The Pink Opaque, Schoenbrun creó una película para todos los freaks y geeks que todavía añoran una época en la que el fandom no era una mala palabra e Internet aún no había invadido nuestros cerebros.
También creó una alegoría trans urgente que, malditos sean los negacionistas, se siente a la vez muy específica y muy universal al mismo tiempo. La toma final de I Saw the TV Glow de un Owen angustiado gritando, todavía atrapado en una prisión de carne y hueso y capitalismo del que nunca tuvo la oportunidad de escapar, es de la materia de la que están hechas las pesadillas, y lo abrumadora e inquietante que puede ser una gran película.
9. La Sustancia
Hablando de pesadillas, la alucinante película de 141 minutos de Caroline Fargeat fue la sorpresa de 2024 y la única película que unió al público de todo el mundo con el mismo pensamiento concluyente: ¿Qué acabo de ver? Esta obra maestra del horror corporal abordó el tema del envejecimiento femenino y la dismorfia corporal de frente, creando texto subtextual y descartando cualquier sentido de sutileza, decencia y buen gusto. Bien. Las imágenes exageradas de Day-Glo de The Substance y el uso liberal de la sangre y el gore transmitieron con precisión el grito primigenio de su protagonista, Elisabeth Sparkle, quien es traicionada no tanto por naturaleza como por una sociedad masculina que decide que ya no puede beneficiarse de su cuerpo bien tonificado.
Como Elisabeth, Demi Moore dio la actuación de su carrera y del año, lanzándose de lleno en un papel que le exige enfrentarse a todas las inseguridades de la belleza física que todos comparten y esconden en el fondo. También es muy divertida, y lo que hace que The Substance funcione tan bien es que nunca pierde su oscuro sentido del humor, incluso cuando Elisabeth, y más tarde, Sue (Margaret Qualley), se destruyen a sí mismas para complacer a su audiencia hambrienta e implacable. En el inolvidable final de la película, que no me atreveré a estropear aquí, Fargeat logra una belleza alocada que es a la vez trascendente y nauseabunda. La película es una hermosa pesadilla, una a la que todos somos bienvenidos a unirnos, ya sea que la veamos de nuevo o simplemente nos miremos en el espejo y hagamos muecas ante nuestras propias imperfecciones.
8. Furiosa: Un cuento de Mad Max
El mundo no necesitaba una precuela de Mad Max: Fury Road, pero la consiguió de todos modos, y todos somos mejores por ello. La secuela de George Miller de su exitosa película épica de acción de 2015 abandona a Max y pone a su heroína principal al frente y al centro. Es un movimiento audaz, pero Miller no se detiene ahí. Priva a su personaje principal de muchos diálogos (Furiosa solo habla alrededor de 30 líneas a lo largo de sus 141 minutos de duración), opta por la cinematografía digital para filmar su Wasteland naranja quemado y convierte a su villano, el triste y demente Dr. Dementus, interpretado por Chris Hemsworth, en su personaje más cautivador. ¿Quizás el mayor pecado de todos? Miller se toma su maldito tiempo y no se preocupa por superarse a sí mismo escenificando una elaborada pieza de acción tras otra al estilo de Fury Road.
Tal vez por eso el público (y la mayoría de los críticos, que deberían saberlo mejor) lo rechazaron. Querían Fury Road 2.0, y lo que obtuvieron en su lugar fue un poco deprimente, una película de acción que se detuvo a reflexionar sobre cómo la violencia afecta a sus personajes. Sí, Fury Road también lo hizo, brevemente, pero enmascaró su mensaje en persecuciones sin aliento por el desierto y War Boys rociando cromo brillante en sus dientes. A Furiosa no le preocupa eso, y en lugar de aplacar a una audiencia masiva de amigos del cine sedientos de violencia llamativa y líneas listas para memes, lo que Miller creó fue una de las mejores películas de acción jamás realizadas. Sí, incluso mejor que Fury Road.
7. Habitaciones Rojas
El marketing de Red Rooms lo comparó con las mejores películas de David Fincher, nombrando sus películas de asesinos en serie Se7en y Zodiac para atraer la mayor cantidad de ojos posible. Eso resultó no ser del todo exacto; Red Rooms no se parece a nada que hayas visto, y eso es lo que lo hace tan efectivo. La película de Pascal Plante, que no es exactamente un thriller ni una película de terror, sigue a la modelo de moda de Montreal Kelly-Anne mientras asiste al juicio de Ludovic Chevalier, quien ha sido acusado de asesinar a tres niñas, grabar sus muertes y subir los videos a una «Red Room», una sala de chat virtual en la web oscura. Conoce a otra fan de Ludovic, la hogareña y sin hogar Clémentine (Laurie Babin), se hace amiga de ella y, pronto, las dos mujeres alimentan su obsesión mutua por un hombre que puede o no ser un asesino en serie.
Si crees que sabes a dónde va esto, te llevarás una sorpresa, ya que Plante tiene otras ideas en mente. Habitaciones rojas es el tipo de película que tiene las cartas cerca de su chaleco; No estás muy seguro de lo que está pasando, incluso después de que haya terminado. Cuenta con la ayuda de la bravura de Juliette Gariépy, quien, en el papel de Kelly-Anne, sugiere mucho haciendo muy poco. Como una esfinge, con una mirada penetrante que parece mirar a través de las personas, incluido el público, la groupie asesina de Gariépy es imposible de descifrar, y es solo una de las razones por las que sigo pensando en Red Rooms una y otra vez.
6. Mientras tanto en la Tierra
Una actualización sorprendentemente cálida y suave de Invasion of the Body Snatchers, While on Earth apenas se notó cuando salió el otoño pasado y parece haber sido olvidada. Eso debería ser un crimen, ya que esta conmovedora película de ciencia ficción es un placer para los ojos y el corazón, una rara película de género que es a la vez intelectualmente desafiante y emocionalmente envolvente. Después de que su hermano astronauta desaparece en una misión espacial, Elsa escucha su voz a través de un auricular que encuentra en el suelo. (Tiene sentido cuando ves la película). Está cautivo de criaturas misteriosas que le ofrecen a Elsa un trato: encontrar cinco cuerpos humanos para que los habiten en la Tierra, y ella puede recuperar a su hermano. Si no puede hacer esto en tres días, perderá a su hermano para siempre.
El concepto está ahí, pero nunca se siente tonto o artificial. Eso se debe a su escritor y director, Jérémy Clapin, quien realizó la maravillosa película animada I Lost My Body en 2019 e incorpora secuencias animadas similares para ilustrar los sueños espaciales de Elsa y el fuerte vínculo con su hermano.
Como todas las grandes películas de ciencia ficción, Mientras tanto en la Tierra hace preguntas complicadas. (¿Quién decide cuándo termina la vida de otra persona? ¿Hasta dónde llegarías para salvar la vida de un ser querido?). Pero nunca pierde de vista a sus personajes, quienes, ya sean humanos y en pantalla o alienígenas y una voz incorpórea, se manifiestan con vívidos detalles. Elsa tiene que tomar decisiones imposibles a lo largo de la película, pero debido a que Clapin te permite conocerla a ella y a su familia, entiendes que esas son las únicas que puede tomar.
5. Verdades duras
Pansy está enfadada: con su marido por no quitarse los zapatos cuando entra en la casa, con su hijo por no hacer mucho con su vida, con su dentista por hacer preguntas estúpidas y con todo el mundo por no cumplir con sus exigentes normas. Lanza insultos y diatribas como una profesional, y hace miserables a casi todos los que la rodean. La única persona que la tolera, apenas, es su hermana, una peluquera burbujeante que está criando a sus dos hijas adultas en un apartamento estrecho y que da la bienvenida a la vida con una sonrisa abierta y un corazón generoso.
Hard Truths está dirigida por Mike Leigh, y continúa su asombrosa carrera de cinco décadas de crónica de la vida cotidiana de la clase media baja británica, que es lo suficientemente rica como para disfrutar de algunos lujos, pero demasiado pobre para escapar de la monotonía de la vida suburbana. La película, que está construida como un cuento corto con una epifanía al estilo de James Joyce al final, es llevada a cabo por sus dos actrices principales, colaboradoras desde hace mucho tiempo, Marianne Jean-Baptiste y Michele Austin.
Como hermanas Pansy y Chantelle, las dos actrices crean un retrato de dos hermanas que realmente no se gustan, pero son las únicas que se entienden. No hay muchos cambios en la trama de Hard Truths, pero al final, todavía se siente un cambio monumental. Algo se ha roto, y Leigh nos deja a nosotros la tarea de recoger los pedazos.
4. El verano pasado
Anne, una atractiva abogada francesa, está un poco aburrida de su vida sexual con su marido burgués y comienza un romance con su hijastro adolescente, Théo. Y tal vez hace 20 años, Catherine Breillat, la directora de películas sexualmente explícitas como Romance, Fat Girl y Anatomy of Hell, habría manejado este material de manera diferente, pero en Last Summer, es moderada, y mucho mejor por eso.
La parte sexual de El último verano te atrae, y los actores principales, Léa Drucker y Samuel Kircher, son atractivos de una manera que solo los franceses pueden ser. Pero es la otra parte, los juegos mentales que Anne y Théo juegan entre sí a medida que su relación se vuelve más profunda y complicada, lo que diferencia a la película de otras similares como Babygirl. Esa película, más hábil y mucho menos interesante, no tiene el coraje de seguir adelante lo que realmente puede ser una relación entre una mujer mayor y un hombre más joven, una que es desproporcionada en edad y poder.
Breillat no necesita que su heroína lama la leche de un platillo en sus manos y rodillas para sorprender a la gente; Entiende que, incluso en 2024, no hay nada más radical o atrevido que un primer plano de una mujer mayor experimentando placer y sin importarle un bledo lo que piensen los demás.
3. Retadores/Queer
Luca Guadagnino siempre ha sido un erotista, pero con estas dos películas en 2024, consolida su estatus como nuestro cronista preeminente del deseo: por la carne, por el amor y por la gloria de ganar una competencia, un juego o el corazón de un oscuro objeto de deseo. En Challengers, el director crea una de las películas más sexys jamás realizadas sin mostrar absolutamente ningún acto sexual. Al mostrarnos el triángulo amoroso de años que une a Tashi, Patrick y Art, separados y juntos de nuevo, entiende que el mejor sexo existe en todas partes: en la cancha de tenis, en el vestuario o en la cabeza de alguien, excepto en el dormitorio.
En Queer, una adaptación de la novela de William S. Burroughs de 1985, va más allá al mostrar cómo el amor a menudo se alimenta de una compulsión de poseer a otro. Lee, de cincuenta y tantos años, no puede evitar sentirse atraído por el veinteañero Eugene, pero no es solo su juventud lo que desea, es él. Todo en él -la cara, la ropa, la forma en que ve el mundo, la forma en que lo ve- hace que Lee quiera poseerlo, primero por seducción, luego por telepatía. (Sí, de verdad). Pero a Guadagnino no le preocupa contar otra historia de amor gay que termine en lágrimas y desamor; Al final, estos amantes se reencuentran, pero no de la manera que esperas.
Al filmar la película ambientada en México y América del Sur en su totalidad en los famosos Estudios Cinecittà de Roma, Guadagnino eliminó deliberadamente la suciedad y los bordes ásperos presentes en la prosa de Burroughs y, en cambio, creó un sueño febril colorido y deliberadamente artificial de deseo correspondido, negado y finalmente aceptado en sus propios términos. Las películas de Guadagnino de 2024 argumentan que para el amor, todo el dolor y la miseria valen la pena… pero apenas.
2. Anora
El trabajo sexual es trabajo, pero Anora es otra cosa; es una comedia laboral y de misterio (¿Qué le pasó a Iván?), una historia de amor y una fábula triste, y un retrato preciso de Brooklyn fuera de la línea B/Q. En otras palabras, Anora es un poco demasiado, pero nunca es suficiente, y Sean Baker, ese narrador profundamente empático de los marginados, es un cineasta más preocupado por cómo funcionan realmente el dinero y la clase en Estados Unidos que por hacer la próxima película de Marvel.
Sin embargo, todo sería en vano si la película no tuviera a la actriz adecuada interpretando al personaje principal. Como Ani, Mikey Madison logra esa cosa rara en el cine cuando el intérprete y el papel se entrelazan inmediata y eternamente entre sí. Su stripper Cenicienta se encuentra junto a Holly Golightly (Audrey Hepburn) y Vivian Ward (Julia Roberts) como íconos cinematográficos de trabajadoras sexuales de las que no podemos evitar enamorarnos. Sin embargo, Ani no está en una comedia romántica, y mientras navega por un sueño hecho realidad que lentamente se le escapa de las manos, Anora se convierte en algo más significativo: una tragedia estadounidense de esperanzas aplastadas y aspiraciones disminuidas. Si esto es lo mejor que puede producir el cine estadounidense, estamos en un buen lugar.
1. Flujo
Hay algunas películas que son geniales porque la cinematografía y el arte detrás de su creación son innegables. Otras veces, las grandes películas pueden ser desafiantes, obligándote a mirar el mundo de una manera diferente o cuestionar el significado detrás de su mensaje. Y luego están las raras películas que te abruman emocionalmente; Estos son los más difíciles de describir, ya que su reacción a ellos es a menudo indescriptible e irracional.
Flow es una de esas películas. Una película animada de Letonia, sigue a un gato negro callejero mientras lucha por sobrevivir a una gran inundación que lo obliga a subir a un bote con un capibara solitario y curioso. Pronto, se les unen un lémur, un golden retriever y un pájaro secretario mientras buscan tierra seca adecuada para encontrar un nuevo hogar. Y… Eso es todo. La película tampoco tiene diálogos ni nombres para sus personajes. No hay canciones alegres escritas por Lin-Manuel Miranda para distraerte y no hay momentos que complazcan a la audiencia para aclarar lo que está pasando y cuál es el objetivo de todo esto. Es la rara película animada que deslumbra los ojos y desafía el cerebro sin sacrificar nada de su integridad para vender mercancía relacionada.
Flow es una película animada metafísica, pero sus significados más profundos siguen siendo un secreto para mí incluso ahora. Eso es lo bueno de Flow; Sugiere reservas de misterios que quieres desbloquear, pero no quieres por miedo a arruinar el extraño hechizo borracho que lanza sobre ti. La película es una maravilla técnica; el director, Gints Zilbalodis, utilizó Blender, un programa de software de gráficos por computadora 3D gratuito y de código abierto, para crear sus impresionantes imágenes, y supera todo lo que Disney ha hecho en décadas. Pero son los personajes que nos presenta, y el exuberante mundo alienígena en el que los coloca, lo que hace que la película sea un éxito de todos los tiempos y otro testimonio, después de The Boy and the Heron del año pasado y The Wild Robot de este año, del renacimiento que la animación está experimentando actualmente. Flow es la mejor película de 2024 y una de las mejores películas animadas jamás realizadas.
Lo mejor del resto
Estas son las otras películas que se destacaron en 2024 y que apenas se quedaron entre las 10 mejores: The Order, Orion and the Dark, The Wild Robot, Scoop, Between the Temples, Carry-On, In the Land of Saints and Sinners, La Chimera, Rebel Ridge, Love Lies Bleeding, Hit Man, The Bikeriders, Oddity y Una completa incógnita.
